EN Anja Rausch’s work investigates personal perception and the conditions under which meaning is constructed. It is grounded in the tension between intuition and reason, the relation between precision and indeterminacy, and in the interdependence of forces that appear oppositional yet remain mutually constitutive.
Rather than pursuing predefined pictorial goals, her motifs emerge as records of an unfolding cognitive and speculative process. Each work develops from an initial, spontaneously and intuitively painted composition and is gradually constructed through an additive painting process. Applied in thin, glazed layers, in the tradition of sfumato, the image condenses into a dense, almost photorealistic surface in which each layer remains vital. This process parallels a mode of understanding in which meaning is not given but slowly articulated through accumulation.
The exploration of polarity or plurality is embedded as a formal attitude within the painters work. The images can be read as a reference to biological or geological
phenomena. Their appearance reminds one of a primal form of growth that radiates both tenderness and violence. The scale provides the same ambiguous quality:
Am I confronted with a microscopic cellular organization or a macro cosmic system? Is an abstract, physical energy state shown here, or an anatomical model? This oscillation destabilizes fixed interpretations and situates perception itself as the subject of inquiry.
Central to her observation is the investigation of continuity and rupture. This concern extends formally into her work with diptychs and multi-part panel paintings. By separating panels that originally emerged together, Anja Rausch examines relational dynamics of autonomy, dependency, and emancipation. The reconfiguration of pictorial elements introduces moments of chance into an otherwise technically controlled painting process, allowing for disruption and new connections. In result each image becomes an occasion to reflect on our own expectations: What do we seek from the motif? How do we deal with breaks in continuity? Do we ignore aspects in favor of a coherent narrative? Do we focus on similarities or contrasts? These introspections apply equally to the creative process itself and to the reception of a finished work.
Although her works employ an almost photorealistic idiom, this technical precision does not aim at clarity of content. Instead, it establishes an internal quasi logic by drawing on the specific visuality through which external matter is translated within human perception. Therefore light phenomena, plasticity, and the material qualities of surfaces are of central relevance to the elaboration of the subjects – concerns that also informed Renaissance art, which shaped Anja Rausch’s concept of painting early on.
Despite the seemingly familiar textures, the pictorial worlds resist narrative closure. The images offer a promise of legibility that ultimately remains unresolved. These productive irritations and narrative blurrs reflects the painters engagement with questions of truth and existence and positions the work as an antithesis to singular interpretation. Consequently, her carefully crafted paintings move within a transitional zone between reality and imagination, between figuration and abstraction. Through this liminal space, Anja Rausch’s painting opens a resonant field in which perceptual precision and conceptual openness coexist.
DE Anja Rauschs Arbeit dient als Methode der Untersuchung wahrnehmungsbezogener Fragen und der Reflexion über die Bedingungen, unter denen wir Bedeutung konstruieren. Ihre Praxis ist gegründet auf der Spannung zwischen Intuition und Ratio, dem Verhältnis von Präzision und Unbestimmtheit sowie der wechselseitigen Abhängigkeit von Kräften, die als gegensätzlich erscheinen und sich dennoch inhärent bedingen.
In ihrer künstlerischen Praxis treten intentional gesetzte bildnerische Zielvorstellungen zurück. Vielmehr entstehen die Motive als Protokolle eines sich entfaltenden kognitiven und spekulativen Prozesses. Innerhalb eines stufenweisen Konstruktionsprozesses werden die Motive aus einer ersten, spontan und intuitiv gemalten Komposition entwickelt. Während eines additiven Malprozesses werden diese hin zu einem nahezu fotorealistischen Bild aufgebaut. In dünnen, lasierenden Schichten, in der Tradition des Sfumato, verdichtet sich das Bild zu einem vibrierenden Farbraum, in dem jede Lage wirksam bleibt. Dieser Prozess spiegelt einen Verstehensprozess, in dem Bedeutung nicht gegeben ist, sondern sich langsam durch Akkumulation artikuliert.
Die gebildeten Strukturen können als Verweis auf bio- oder geologische Phänomene gelesen werden. Ihre Erscheinung erinnert an eine ursprüngliche Wachstumsform, die sowohl Zärtlichkeit als auch gewaltvolle Anteile ausstrahlt. Auch die Skala bietet dieselbe ambigue Qualität: Stehe ich einer mikroskopischen Zellorganisation oder einem System des Makrokosmos gegenüber? Wird hier ein abstrakter, physikalischer Energiezustand dargestellt oder ein anatomisches Modell? Diese Oszillation destabilisiert festgelegte Interpretationen und macht die Wahrnehmung selbst zum Gegenstand der Untersuchung.
Zentral für ihre Beobachtung ist die Untersuchung von Kontinuität und Brüchen. Formal setzt sich diese Fragestellung auch in der Arbeit mit Diptychen und mehrteiligen Tafelbildern fort. Durch das Trennen von Bildelementen, die ursprünglich gemeinsam entstanden sind, untersucht Anja Rausch Beziehungsdynamiken von Autonomie, Abhängigkeit und Emanzipation. Die Neuordnung der Bildteile lädt Momente des Zufalls in einen ansonsten technisch kontrollierten Malprozess ein und ermöglicht Irritationen sowie neue Verbindungen. Jedes Motiv ist dabei ein Anlass, um unsere Haltung dazu zu reflektieren: Was suchen wir im Motiv? Wie gehen wir mit Brüchen in der Kontinuität um? Ignorieren wir Aspekte zugunsten eines kohärenten Narrativs? Konzentrieren wir uns auf Gemeinsamkeiten oder Kontraste? Diese Formen der Introspektion gelten gleichermaßen für den künstlerischen Prozess wie für die Rezeption des Resultats.
Obwohl ihre Arbeiten formal auf einen nahezu fotorealistischen Duktus zurückgreifen, zielt diese technische Präzision nicht auf Eindeutigkeit ab. Vielmehr etabliert sie eine innere, quasi-logische Struktur, indem sie auf jene spezifische Visualität zurückgreift, durch die sich äußere Materie innerhalb menschlicher Wahrnehmung übersetzt. In diesem Sinne sind Lichtphänomene, Plastizität und die materiellen Qualitäten von Oberflächen von zentraler Bedeutung für die Ausarbeitung der Sujets. Fragestellungen, die auch auf traditionelle Renaissance-Malerei zutreffen, welche Anja Rauschs Begriff von Malerei früh geprägt hat.
Trotz der scheinbar vertrauten Texturen verweigern sich die dargestellten Bildwelten hingegen jeglicher narrativen Struktur oder eindeutigen Zuordnung. Die Bilder versprechen eine Lesbarkeit, die sich letztendlich nicht einlöst. Diese produktiven Irritationen und narrativen Unschärfen spiegeln Anja Rauschs Auseinandersetzung mit Fragen von Wahrhaftigkeit und Existenz wider und bilden eine Antithese zu singulärer Interpretation. Infolgedessen bewegen sich ihre sorgfältig ausgearbeiteten Motive in einem Übergangsbereich zwischen Realität und Imagination, zwischen Figuration und Abstraktion. Durch diesen liminalen Raum eröffnet Anja Rauschs Arbeit einen Resonanzraum, in dem Wahrnehmungspräzision und konzeptuelle Offenheit koexistieren.
EN Anja Rausch’s work investigates personal perception and the conditions under which meaning is constructed. It is grounded in the tension between intuition and reason, the relation between precision and indeterminacy, and in the interdependence of forces that appear oppositional yet remain mutually constitutive.
Rather than pursuing predefined pictorial goals, her motifs emerge as records of an unfolding cognitive and speculative process. Each work develops from an initial, spontaneously and intuitively painted composition and is gradually constructed through an additive painting process. Applied in thin, glazed layers, in the tradition of sfumato, the image condenses into a dense, almost photorealistic surface in which each layer remains vital. This process parallels a mode of understanding in which meaning is not given but slowly articulated through accumulation.
The exploration of polarity or plurality is embedded as a formal attitude within the painters work. The images can be read as a reference to biological or geological
phenomena. Their appearance reminds one of a primal form of growth that radiates both tenderness and violence. The scale provides the same ambiguous quality:
Am I confronted with a microscopic cellular organization or a macro cosmic system? Is an abstract, physical energy state shown here, or an anatomical model? This oscillation destabilizes fixed interpretations and situates perception itself as the subject of inquiry.
Central to her observation is the investigation of continuity and rupture. This concern extends formally into her work with diptychs and multi-part panel paintings. By separating panels that originally emerged together, Anja Rausch examines relational dynamics of autonomy, dependency, and emancipation. The reconfiguration of pictorial elements introduces moments of chance into an otherwise technically controlled painting process, allowing for disruption and new connections. In result each image becomes an occasion to reflect on our own expectations: What do we seek from the motif? How do we deal with breaks in continuity? Do we ignore aspects in favor of a coherent narrative? Do we focus on similarities or contrasts? These introspections apply equally to the creative process itself and to the reception of a finished work.
Although her works employ an almost photorealistic idiom, this technical precision does not aim at clarity of content. Instead, it establishes an internal quasi logic by drawing on the specific visuality through which external matter is translated within human perception. Therefore light phenomena, plasticity, and the material qualities of surfaces are of central relevance to the elaboration of the subjects – concerns that also informed Renaissance art, which shaped Anja Rausch’s concept of painting early on.
Despite the seemingly familiar textures, the pictorial worlds resist narrative closure. The images offer a promise of legibility that ultimately remains unresolved. These productive irritations and narrative blurrs reflects the painters engagement with questions of truth and existence and positions the work as an antithesis to singular interpretation. Consequently, her carefully crafted paintings move within a transitional zone between reality and imagination, between figuration and abstraction. Through this liminal space, Anja Rausch’s painting opens a resonant field in which perceptual precision and conceptual openness coexist.
DE Anja Rauschs Arbeit dient als Methode der Untersuchung wahrnehmungsbezogener Fragen und der Reflexion über die Bedingungen, unter denen wir Bedeutung konstruieren. Ihre Praxis ist gegründet auf der Spannung zwischen Intuition und Ratio, dem Verhältnis von Präzision und Unbestimmtheit sowie der wechselseitigen Abhängigkeit von Kräften, die als gegensätzlich erscheinen und sich dennoch inhärent bedingen.
In ihrer künstlerischen Praxis treten intentional gesetzte bildnerische Zielvorstellungen zurück. Vielmehr entstehen die Motive als Protokolle eines sich entfaltenden kognitiven und spekulativen Prozesses. Innerhalb eines stufenweisen Konstruktionsprozesses werden die Motive aus einer ersten, spontan und intuitiv gemalten Komposition entwickelt. Während eines additiven Malprozesses werden diese hin zu einem nahezu fotorealistischen Bild aufgebaut. In dünnen, lasierenden Schichten, in der Tradition des Sfumato, verdichtet sich das Bild zu einem vibrierenden Farbraum, in dem jede Lage wirksam bleibt. Dieser Prozess spiegelt einen Verstehensprozess, in dem Bedeutung nicht gegeben ist, sondern sich langsam durch Akkumulation artikuliert.
Die gebildeten Strukturen können als Verweis auf bio- oder geologische Phänomene gelesen werden. Ihre Erscheinung erinnert an eine ursprüngliche Wachstumsform, die sowohl Zärtlichkeit als auch gewaltvolle Anteile ausstrahlt. Auch die Skala bietet dieselbe ambigue Qualität: Stehe ich einer mikroskopischen Zellorganisation oder einem System des Makrokosmos gegenüber? Wird hier ein abstrakter, physikalischer Energiezustand dargestellt oder ein anatomisches Modell? Diese Oszillation destabilisiert festgelegte Interpretationen und macht die Wahrnehmung selbst zum Gegenstand der Untersuchung.
Zentral für ihre Beobachtung ist die Untersuchung von Kontinuität und Brüchen. Formal setzt sich diese Fragestellung auch in der Arbeit mit Diptychen und mehrteiligen Tafelbildern fort. Durch das Trennen von Bildelementen, die ursprünglich gemeinsam entstanden sind, untersucht Anja Rausch Beziehungsdynamiken von Autonomie, Abhängigkeit und Emanzipation. Die Neuordnung der Bildteile lädt Momente des Zufalls in einen ansonsten technisch kontrollierten Malprozess ein und ermöglicht Irritationen sowie neue Verbindungen. Jedes Motiv ist dabei ein Anlass, um unsere Haltung dazu zu reflektieren: Was suchen wir im Motiv? Wie gehen wir mit Brüchen in der Kontinuität um? Ignorieren wir Aspekte zugunsten eines kohärenten Narrativs? Konzentrieren wir uns auf Gemeinsamkeiten oder Kontraste? Diese Formen der Introspektion gelten gleichermaßen für den künstlerischen Prozess wie für die Rezeption des Resultats.
Obwohl ihre Arbeiten formal auf einen nahezu fotorealistischen Duktus zurückgreifen, zielt diese technische Präzision nicht auf Eindeutigkeit ab. Vielmehr etabliert sie eine innere, quasi-logische Struktur, indem sie auf jene spezifische Visualität zurückgreift, durch die sich äußere Materie innerhalb menschlicher Wahrnehmung übersetzt. In diesem Sinne sind Lichtphänomene, Plastizität und die materiellen Qualitäten von Oberflächen von zentraler Bedeutung für die Ausarbeitung der Sujets. Fragestellungen, die auch auf traditionelle Renaissance-Malerei zutreffen, welche Anja Rauschs Begriff von Malerei früh geprägt hat.
Trotz der scheinbar vertrauten Texturen verweigern sich die dargestellten Bildwelten hingegen jeglicher narrativen Struktur oder eindeutigen Zuordnung. Die Bilder versprechen eine Lesbarkeit, die sich letztendlich nicht einlöst. Diese produktiven Irritationen und narrativen Unschärfen spiegeln Anja Rauschs Auseinandersetzung mit Fragen von Wahrhaftigkeit und Existenz wider und bilden eine Antithese zu singulärer Interpretation. Infolgedessen bewegen sich ihre sorgfältig ausgearbeiteten Motive in einem Übergangsbereich zwischen Realität und Imagination, zwischen Figuration und Abstraktion. Durch diesen liminalen Raum eröffnet Anja Rauschs Arbeit einen Resonanzraum, in dem Wahrnehmungspräzision und konzeptuelle Offenheit koexistieren.